DANA GIOIA. LA OSCURIDAD INTACTA. POEMAS ESCOGIDOS.

DANA GIOIA. LA OSCURIDAD INTACTA. POEMAS ESCOGIDOS. EDICIÓN Y TRADUCCIÓN GUSTAVO SOLÓRZANO-ALFARO. COLECCIÓN LA CRUZ DEL SUR. EDITORIAL PRE-TEXTOS.

Las opiniones de Dana Gioia (California, 1950) sobre la poesía y los poetas gozan de cierta resonancia, eso sí, en el limitado ámbito poético. Tanto en su poesía, muy versátil y con un uso de las estrofas clásicas —y sus interpretaciones personales— verdaderamente asombroso, como en los ensayos, sus reflexiones no dejan indiferente a nadie. En ¿Importa la poesía?, desgrana ideas que repetirá, con escasas variantes, en posteriores trabajos. Los poetas, según Gioia, carecen en la actualidad de prestigio social, más allá, como decíamos, de su propio círculo, pese a que la difusión de la poesía, gracias a un aumento inusitado de publicaciones y la proliferación de talleres de escritura, talleres que se han convertido en Estados Unidos —en nuestro país, aunque menos profesionalizado en este aspecto, su propagación busca similares objetivos —en un medio de vida de poetas y escritores en general, modus vivendi compartido en un gran número de ocasiones, con la docencia universitaria, si bien esta, en condiciones precarias. Los talleres literarios tienes, según el novelista Richard Ford «muchas virtudes, la más valiosa de las cuales es el tiempo para escribir. Pero también tienen varios defectos, entre ellos la supuesta pero no demostrada ventaja de estar constantemente rodeado de colegas y compatriotas de la misma mentalidad para hablar de lo que uno está haciendo, como si el compañerismo mejorara de forma natural el importante trabajo personal precisamente mientras se está realizando». Aun así, la importancia de la poesía en la sociedad de consumo es prácticamente nula. Los efectos de la endogamia son evidentes. Los poetas se leen entre ellos y rara vez un libro de poemas traspasa las fronteras de su entorno (de una manera elíptica, su poema «El silencio de los poetas» aborda este asunto: «Los libros antiguos que los jóvenes no han mutilado / aún se conservan en algún lugar, / apilados en hileras polvorientas. // Y puede que algunos ancianos los visiten de vez en cuando / para pasar sus manos por los lomos / y recordar tiempos idos»). El público lector vive de espaldas a la poesía, los suplementos culturales se ocupan de ella de manera esporádica y, cuando lo hacen, suelen ser poetas, no críticos literarios generalistas, los que se ocupan de ella (Gioia recoge este texto del poeta Robert Bly: «Tenemos una situación extraña: en la medida en que hay más publicaciones que nunca en la historia norteamericana, la mayor parte de las reseñas resultan positivas. Los críticos dicen: “Yo nunca ataco lo malo, todo cae por su propio peso” […] pero el país está lleno de jóvenes poetas y lectores que se confunden al ver que se ensalza la poesía mediocre o que nunca se le ataca, de modo que terminan dudando de sus propias percepciones críticas». El círculo, pues, está cerrado. «Hoy —escribe Gioia—, la mayoría de las lecturas no son celebraciones de la poesía sino del ego de los autores. No en balde el público de dichos eventos está integrado por lo general casi solo por poetas, aspirantes a poetas y amigos del autor».  Con respecto de la poesía, Gioia se muestra especialmente crítico con el derrotero al que la modernidad, con su desprecio de la retórica tradicional, ha conducido a la poesía, de ahí su defensa de las formas clásicas como contrapartida a ese caos estético. Sin embargo, como reputado crítico y excelente poeta que es rehúye las categorizaciones fáciles. Así, en el prefacio al libro Líneas concertadas. Nueva poesía de los Estados Unidos, publicado en 2006, Gioia escribe que resulta «imposible caracterizar de una manera simple o monolítica las nuevas tendencias en los Estados Unidos. No hay un solo movimiento estilístico o temático o capaz de definir la mejor poesía actual. Los poetas jóvenes escribe en una variedad de formas que van desde lo tradicional hasta lo experimental. Coexisten la poesía métrica y el verso libre, el poema lírico y la reflexivo al lado de los versos narrativos. Continua floreciente la poesía de la identidad que pone en el centro del texto la experiencia personal y los antecedentes culturales de su autor. También prosperan estilos menos subjetivos como los poemas que cuentan historias y las formas posmodernas deliberadamente objetivadas». Nada, por otra parte, distinto de lo que ocurre en otros lugares, en nuestro país, sin ir más lejos. Con antecedentes teóricos como los expuestos, no resulta difícil colegir que la poesía de Dana Gioia será cualquier cosa menos uniforme. Como podemos comprobar en La oscuridad intacta. Poemas escogidos, una antología preparada y traducida por Gustavo Solórzano-Alfaro que cuenta con el beneplácito del propio autor. No sé si para degustar esta poesía es preciso rotularla con enunciados más o menos definitorios, como poesía de realismo visionario, poesía matafísica, adscrita al nuevo formalismo o bastará con acercarse a estos versos con el ánimo dispuesto a compartir una experiencia poética, no especulativa. 

     No es Gioia un autor excesivamente prolífico. Desde su primer libro, publicado en 1986, Daily Horocope, hasta 99 Poemas: New & Selected de 2026 —libro en el que se basa la presente antología, han visto la luz The Gods of Winter (1991), Interrogations of Noon (2001) y Pity the Beatiful (2012). Desde el comienzo, si no de forma exclusiva, la predilección de Gioia por los metros clásicos le ha granjeado una buena respuesta entre cierto público probablemente cansado de los excesos del experimentalismo, algo que el propio poeta no ha buscado deliberadamente —no hay más que comprobar la perplejidad con la que observa la soterrada beligerancia que encierras la clasificaciones y las descalificaciones entre estéticas opuestas—, pero que le sigue como un sambenito. Además, como hemos anticipado, conviven en su escritura —seguimos a Gustavo Solórzano-Alfaro— desde el poema con metro y rima, al discurso narrativo y al poema breve, ambos en verso blanco o libre. «Desde este punto de vista —escribe Solórzano-Alfaro—, es necesario enfatizar que si bien Gioia ha funcionado, as u pesar, como el “padrino” del nuevo formalismo, también ha sabido ser crítico con dicha tendencia. Para él, muchos nuevos formalistas no pasan de ser antimodernistas o meros imitadores. De igual manera, su crítica de la poesía confesional o autobiográfica no el ha impedido ofrecernos algunos de los poemas íntimos mejor logrados». Es del todo relevante esta precisión porque, en ocasiones, se ha pretendido hacer de Gioia, con ese afán reduccionista al que somos tan propensos, el adalid, el azote de las vanguardias. Lo que sí debemos resaltar de su poesía es el compromiso y el rigor con el que se enfrenta a la construcción de un poema. Consciente como es de las limitaciones inherentes a la palabra y de la inefabilidad del proceso por el cual determinada experiencia sensitiva, o imaginativa, se ve obligada por una fuerza arrebatadora pero invisible, a dejar su rastro en la página, pule el poema para lograr ese efecto de comunión entre lo pensado (lo sentido) y lo expresado y la forma que le resulta más grata es, como hemos reiterado, la de las estrofas y ritmos tradicionales —no siempre, por otra parte—. «Con relación a sus temas —afirma Solórzano-Alfaro— y puntos de vista, podríamos bosquejarlos de este modo: el amor perdido y el amor ganado, el misterio de la voluntad y el espíritu humano, la muerte, la naturaleza y California». Con respeto de la muerte, hemos de hacer notar que un hecho tan luctuoso, una experiencia tan imborrable como la muerte de un hijo no podría pasar desapercibido, es muy notable la influencia anímica, sobre todo, en el libro The Gods of Winter («La muerte deja un vacío que las palabras no llenan», escribe en el extenso poema «Regreso a casa», quizá porque. como escribe en el poema hamletiano  «Palabras, palabras, palabras», una suerte de poética: «No es solo el dolor que esperamos que acabe. / viejas heridas cuya sangre aún se filtra entre líneas. / Las palabras más auténticas nos traicionan. / No traen consuelo. / El costo siempre es más de lo que podemos gastar». Como a le ocurre a otros poetas, es durante el proceso de escritura, y no antes, de modo preconcebido,  cuando se va descubriendo lo que se quiere decir, lo que hasta entonces es una mera intuición, solo inspiración, el origen del poema. La oscuridad intacta nos muestra a un concepto de poeta lo más alejado de la torre de marfil, un poeta que, a pesar de todos los inconvenientes y de la marginación de la poesía en la sociedad actual de la que hemos hablado al principio de este comentario, sigue confiando en su poder regenerador, en la benéfica influencia que puede producir en el lector. Ojalá ese aliento profético se extienda y acabemos por darle la razón.

La oscuridad intacta

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CARLOS JAVIER CEBRIÁN. MANERAS DISTINTAS DE AMAR (O DES-AMAR)

CARLOS JAVIER CEBRIÁN. MANERAS DISTINTAS DE AMAR (O DES-AMAR). EDITORIAL HUERGA Y FIERRO.

Esther Abellán Rodes, la autora del prólogo a este volumen de poesía, escribe: «He aquí el poeta, el lector, el gestor cultural, el editor…» y columnista, añadimos nosotros. Efectivamente, en Carlos Javier Cebrián (Pau, Francia, 1965), conviven —no es infrecuente el panorama poético actual— todas estas facetas. Lo que ignoramos es si las que poseen una connotación alimenticia solapan su vocación poética o esa convivencia de la que hablamos se desarrolla de un modo pacífico. En cualquier caso, la obra de Cebrián, aunque no es muy extensa, si guarda cierta continuidad, desde aquel primer libro en un ya lejano 1987, Poemas de lluvia y alquitrán hasta estas Distintas maneras de amar (o des-amar) que ahora nos presenta, un libro discursivo que desborda pasión y confesión, suponemos que en una equilibrad proporción. La mujer amada es la protagonista de gran parte de estos poemas: «Me duele esa mujer en todo el cuerpo», escribe en el primer poema, un poema torrencial —es el mejor calificativo que se nos ocurre— arrastrado por la inercia de uno sentimientos, a veces encontrados, porque lo que parece doler no es la mujer físicamente hablando, sino su ausencia, hasta el punto de negarle su existencia: «Esa mujer que tanto duele y ano es, / no ya no existe». Entra así el poeta en un bucle de afirmación y negación que alimenta las contradicciones, y es que la pasión se mueve siempre entre dos polos, la exaltación y la agonía y Cebrián parece haber optado en este libro por esta última, solo así comprendemos las continuas alusiones a la muerte, que no hacen más que enfatizar el poder del deseo. Encontramos ecos reconocibles de César Vallejo en poemas como «Moriré un día de estos», que finaliza con estos versos: «Moriré un día de estos, / limpio y recién mudado, / queridos os lo anuncio, / cualquier día inapropiado, / de lluvia innecesaria»., pero mientras llega ese día aciago el poeta quiere gozar de la vida: «Ama sin piedad, / como si te fuera la vida / en el envite», escribe Cebrián en una poesía directa, sin adornos, sin contención, acaso excesivamente relampagueante que no rehúye el lenguaje obsceno, de fuerte contenido sexual y escatológico. Véanse los poemas «Asepsia», «Cenizas» o «Séptica», por ejemplo. No son los únicos, pero bastan para verificar lo que digo. En todos ellos prevalece un soterrado ansia de vida que trata de emascularse en la superficie de los versos, en su significado mas evidente, pero un lector inteligente sabrá ver lo que esconde tanta explicita renuncia, tanto  voluntario feísmo.  Con leer el poema «Sobrevivir», tendrá suficiente: «Sé ingenuo y pueril. / Vive, solo vive, sobrevive, / por el simple hecho de vivir».  El último poema del libro, de carácter testamentario, nos recuerda en algunos momentos al Gil de Biedma de «Después de la muerte de Jaime Gil de Biedma», aunque sin el poso irónico de este último. Si Gil de Biedma dejó escrito: «Yo me salvé escribiendo / después de la muerte de Jaime Gil de Biedma», Carlos Javier Cebrián —a quien le gusta utilizar heterónimo, según leemos en su bibliografía— da por concluida una de sus identidades para renacer en otra: «Ha muerto Carlos Cebrián / y puedo decir que en su último momento tuvo miedo. / Y ante de expirar tuvo un recuerdo para casi todos vosotros. / Carlos Cebrián ha muerto. / Que viva Javier Cibrián», un Javier Cibrián al que, confiamos, también le emocionen «los versos de los otros», esos versos que alimentan, como hemos visto, en alguna medida —sabemos que es un buen lector— su propia escritura.

MIGUEL ROMAGUERA. POÉTICA.

MIGUEL ROMAGUERA. POÉTICA. EDICIÓN DEL AUTOR

Miguel Romaguera (Valencia, 1955) tiene en su haber una importante obra poética que comenzó con Síntesis, su primer libro —posteriormente reeditado— y ha continuado con títulos como Mirada de silencio (1983), El jardín de Ida (1984), ambos también revisados y publicados de nuevo recientemente, Climas (2006), El amor es su nombre o Tan ignoto como relampagueante. Aunque no es la primera vez que se interna en la reflexión de carácter metapoética —en El Ciclo, publicado en 2019, también se aborda este asunto, aunque no de forma tan constante— Poética es un a larga reflexión, con soporte histórico, sobre la poesía y sobre el lenguaje desde unos presupuestos más que filológicos, filosóficos y ontológicos: «El lenguaje atestigua la presencia de una mente razonadora, artística. El lenguaje expresa una realidad, inscrita en el mundo que nos habla. El lenguaje —escribe Romaguera— no surgió de la necesidad de comunicarse sino más bien de la necesidad de pensar». No es preciso estar de acuerdo con todas las propuestas que se plantean es este libro para admirar el arduo proceso de indagación en los orígenes de la palabra que ha realizado el autor. «En su origen, la mayoría de las palabras eran de tipo apelativo, expresaban uno de los muchos atributos de una entidad; la elección de esas propiedades implica una especie de poesía instintiva, casi perdida por las lenguas modernas». El símbolo, estudiado también recientemente por Pelayo Fueyo, es analizado aquí como vínculo entre lo real y una forma más ambiguamente reveladora de expresar esa realidad, «un símbolo no posee, por tanto, existencia real como parte del mundo físico, posee un sentido». Sugerentes son también sus análisis del acto creador y de la figura del poeta, guardián de la memoria en la antigüedad, custodio de lo sagrado: «Los poetas son semejantes a dioses liberadores, entendiendo la palabra dios en sentido arcaico, como daimon, es decir espíritu que sirve de intermediario entre nosotros y las entidades naturales». Evidentemente, esta visión del poeta en la sociedad actual resulta del todo anacrónica, pero no está de más que se recuerde esa antiguo estatus.  Hoy el poeta «es el explorador de realidades múltiples y mágica que nos procura una idea distinta bajo una forma que nos invita a ver un mundo diferente a todo lo anterior». En cuanto al análisis del proceso creativo, se defiende la inspiración: «El lenguaje poético s una extraña potencia que asume el valor del lenguaje o revelación avanzando en el tiempo a la palabra escritura-vista, tal y como podríamos decir que sucede con el imaginismo. La poética no es sino algo implícito en el poema y lo único que importa». Poética traza las líneas generales de la experiencia poética del autor y aporta reflexiones y datos realmente interesantes,  pero, como él mismo dice, la mejor poética se encuentra dentro de cada poema.

REVISTERO. ÚLTIMO RECUENTO 2020

REVISTERO. ÚLTIMO RECUENTO 2020

Paraíso, la revista que patrocina la Diputación de Jaén y dirige Juan Carlos Abril, alcanza el número 17, organizada en las secciones habituales: «Tres morillas», con textos de Antonio Manilla que reflexiona sobre la Cultura basándose en su libro Ciberadaptados. Hacia una cultura en la red (2016), Consuelo Bowes, que compara la palabra muerta del poema con la palabra viva, en movimiento del texto teatral, y Diana Cullell, que analiza las diferentes formas de difusión de la poesía durante la pandemia. En la sección «Poesías completas» José Luis Gómez Toré se ocupa de la poesía del uruguayo Eduardo Milán. Un enjundioso ensayo sobre distintas formas de homoerotismo en la literatura cubana contemporánea ocupa la sección «Bonus track». Juan Carlos Rovira, uno de los grandes especialistas en Miguel Hernández escribe en la sección «Altavoz» sobre la educación sentimental que supuso el estudio de la poesía del oriolano. «Mi ballesta» recoge poemas de diversos autores actuales, desde Aitor Francos a José Luis Puerto, pasando por Antonio Deltoro, Marta del Pozo o Rasana Acquaroni. La sección «Paraíso perdido» está atenta siempre a los poetas que han fallecido recientemente: Mariluz Escribano, Carmen Jordá, Rafael Juárez, José Luis Quesada y Minerva Margarita Villarreal. Por último, la sección «Los alimentos» recoge casi una veintena de reseñas sobre autores como Alberto Santamaría, Álvaro Salvador, Rafael Saravia, Juan Marqués, David Pujante, Luis Muñoz, Pedro Garfias, Lola Mascarell o Luis García Montero, entre otros. Todas las secciones, como es norma de la revista, están ilustradas por un artista, en este número las hermosas y enigmáticas composiciones de Marco Lamonyi.

La revista Piedra del Molino, que toma su nombre de una calle de Arcos de la Frontera, editada por la Asociación Piedra del Molino con la colaboración del Ayuntamiento de Arcos de la Frontera, publica un nuevo número doble, el 32-33. Es por tanto, dada su periodicidad bianual, una revista veterana y consolidada en gran medida gracias al empeño de su directos, el poeta Jorge del Arco. Divida en tres secciones, la primera está integrada por poemas inéditos de una nutrida selección de autores entre los que se encuentran poetas como Juan Domingo Aguilar, Julián Montesinos, Juan Pablo Zapater, Rocío Acebal, Marta Sanz, Javier Bozalongo, Hasier Larretxea, Carlos Javier Morales, María Gómez o Manuel Laespada o María Ángeles Mena. La sección «Traducciones» se ocupa de la poesía de Xavier Seoane (A Coruña, 1954), traducida por él mismo. Por último «El vasar», sección dedicada a la reseña de libros y a notas de lectura. Entre las primeras encontramos títulos de Cristóbal Serra, Clara Lair, Shiranami o T. S. Eliot. Entre las segundas, Pilar Blanco, David Rey Fernández, Juan Andrés García Román, Pureza Canelo, Alfredo Rodríguez o Teresa Soto entre otros.  El ejemplar se completa con una sucinta nota bibliográfica de los colaboradores y está profusamente ilustrado por Miguel Acquaroni, José González Collado, Pepi Sánchez, Óscar Estruga y Francesca María.

Litoral, la exquisita —probablemente el adjetivo se quede corto— revista malagueña, dedica su último número 270 al Mundo sensible  ( Platón dixit) y, como siempre, en sus casi trescientas páginas recoge un casi incontable número de excelentes colaboradores tanto en su faceta artística como en su faceta literaria. La visionaria cubierta se debe a Lorenzo Saval, artista que, además, ejerce de director y cuenta con la imprescindible colaboración de Antonio Lafarque, que se ocupa de los contenidos, tarea nada fácil, teniendo en cuenta la amplísima nómina de participantes, imposible de reproducir en esta nota de lectura. «Este número agrupa —en palabras de Saval— una secuencia de eventos involucrados en el desarrollo del planeta. Una visión telescópica y microscópica desde la creación de cosmos hasta el mundo amenazado de hoy en día». El volumen está dividido en varias secciones: «Cosmogénesis», «La Tierra», «Los cuatro elementos», «La vida», «Mundo humano», «Mundo urbano», «Mundo vegetal», «La naturaleza», etc. Y entre los colaboradores, mencionaremos a Eugenio Montale, Manuel Altolaguirre, Emily Dickinson, Eugenio de Andrade. Pedro Salinas, Rafael Pérez Estrada, Julio Cortázar, José Emilio Pacheco, Sandro Penna, José Agustín Goytisolo, Gabriel Ferrater, Constantino Cavfis, Coleridge, Tomás Segovia, Gloria Fuerets, Salvador Espriu, Blas de Otero, Kafka, Jorge Guillén, Walalce Stevens, Thoreau, Alavaro Campos, Wilde, Benedetti, Octavio Paz, Whitman o Jack London, por mencionar solo a escritores convertidos ya en clásicos. Como hemos dicho, enumerar las decenas de colaboradores en activo, supone un espacio que excede con mucho los límites de esta nota de lectura. Otro tanto ocurre con las mas de una centena de colaboraciones artísticas que ilustran los textos ( ¿o es a la inversa?) con nombres como Duchamp, Louise Bourgeois, Bansky, Edward Hopper, Remedios Varo, Bill Viola, Ortega Pelayo, Kandisky, Abraham Lacalle, Blanca Machuca o Ángeles Santos, por citar solo una mínima parte. De lo que no cabe duda es de que cada número de esta casi centenaria revista es un prodigio de composición y un verdadero lujo para los sentidos.

El número 136 de Turia, la revista dirigida por Raúl Carlos Maícas, ediatda por el Instituto de Estudios Turolenses de la Diputación provincial de Teruel, continua fielmente las directrices de su proyecto inicial. Este volumen de casi 500 páginas dedica su «Cartapacio», la sección mas importante de cada número, a la escritora portuguesa Lidia Jorge. Otras secciones son más heterogéneas, como «Letras», que incluye, además de un texto de Álvaro Valverde sobre Antonio Gamoneda, escritos de Valeria Miles y Sara Mesa o «Pensamiento», con textos de Catherine Millet, César Antonio Molina y Emilio Trigueros. En el «Taller», relatos de Soledad Puértolas, el malogrado José Carlos Cataño, María Tena, Carlos Castán y Miguel Pardeza. En «Poesía», poemas de poetas como Clara Janés, Jaime Siles, Andrés Neuman, Manuel Vilas, Almudena Guzmán, Julieta Valero, Antonio Rivero Taravillo, Isabel Bono. Ricardo Virtanen o Teresa Agustín, por ejemplo. Dos extensas entrevistas con Luis García Montero y Ángel Guida respectivamente, conforman el apartado «Conversaciones». Las habituales secciones sobre Aragón y los «Cuadernos turolenses» dan paso a «La Torre de babel», nutrida sección de reseñas sobre libros de ensayo, narrativa y poesía, fundamentalmente.

El número 6 de 21veinteiúnversosdirigida por Juan Pablo Zapater y editada por Banda Legendaria se dedica exclusivamente a la creación poética con poemas inéditos de autores tan dispares como Esperanza Ortega, Rafael Fombellida, José Luis García Martín, José Saborit Ángel L. Prieto de Paula, Antonio Manilla, Ioana Gruia, Frances Parcerisas, Dionisia García, Yolanda Izard, Julio Martínez Mesanza, Antonio Moreno, Ana Noguera, Asunción Escribano, Daniel Fernández rodríguez, Jaume Pérez Montaner, Vidal Carreras o Rosa Cuadrado, sin olvidar el pequeño homenaje que se le tributa a Eugenio Montejo. El número se completa con una muy útil semblanza bibliográfica de cada colaborador La cubierta del volumen se debe a la artista Arancha Goyeneche (Santander, 1967).

Carácter casi exclusivamente poético posee también Estación poesía, la revista que dirige Antonio Rivero Taravillo patrocinada por Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla. Una extensa nómina de poetas conforman este número 19, entre los que cabe destacar a Elsa Cross, Eloy Sánchez rosillo, Francisco Díaz de Castro, Guillermo Carnero, Ángeles Mora, Juan Manuel Villalba, María Eugenia Motilla Serrano, Fabio Morabito, Antonio Rodríguez Jiménez, Irene Sánchez Carrión, Miguel Floriano, Darío Jaramillo, Eduardo Moga o Cecilia Quílez, entre otros. Por su parte, Javier Lorenzo Candel escribe un interesantísimo artículo titulado «Función de la poesía, función del lector, función de la crítica» y Ada Treciakowska hace lo propio sobre la poesía de José Iniesta. Un breve apartado de reseñas y las imprescindibles notas bibliográficas completan este sugestivo número.

Aventura, la revista auspiciada por el Servicio Permanente Claudio Rodríguez del que forman parte un nutrido grupo de especialistas en la obra del poeta zamorano como Fernando Yubero Ferreo, Tomás Sánchez Santiago, Asunción Almuiña, David Refoyo, María Antonia Mezquita, Clara Miranda o Miguel Casaseca Marin, entre otros, alcanza el número 7, dedicado casi en su totalidad al estudio de la última obra publicada de Claudio Rodríguez, Casi una leyenda.  El volumen recoge las ponencias impartidas por expertos en la obra del zamorano en las VIII Jornadas Claudio Rodríguez, Tiempo y leyenda (del 7 al 9 de noviembre de 2019) como Josep Maria Esquirol. David Pujante, Natalia Carbajosa y Miguel Casado, así como las comunicaciones dictadas por Anna Ccciola, Markel Hernández Pérez, Candela Salgado Ivanich y Pietro Taravacci. En la apartado de «Lecturas comentadas», podemos leer poemas de Esperanza Ortega y de María do Cebeiro. Por último, esta primera parte de Aventura finaliza con una perfomance a cargo de Tirso Priscilo Vallecillos. En las segunda parte, se da cuenta de la exposición  Claudio Rodríguez, de la aurora a la piedra. Casi una leyenda, que tuvo lugar entre los días 6 al 30 de noviembre del pasado año 2019 en la Biblioteca Pública del Estado en Zamora comisariada por Miguel Casaseca Martín. Se ofrecen además unos textos inéditos de Claudio Rodríguez sobre Antonio Machado y Bécquer respectivamente recuperados del archivo sonoro de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo y novedades editoriales en torno al poeta reseñadas por algunos de los miembros del citado Servicio Permanente, que realiza un meritorio trabajo en pro de la figura y la obra del autor de Don de la ebriedad.

 Anáfora, revista de creación y crítica, coordinada por Pablo Núñez y Candela de las Heras, alcanza el número 21. En la sección «Obertura» podemos leer una interesante disertación acerca de las relaciones entre pintura y poesía a cargo del poeta, y también acuarelista, José Manuel Benítez Ariza. La sección dedicada a la poesía recoge poemas de autores como de Alejandro Amusco, Susana Benet, Jon Juaristi, Jaime Siles, Juan Bonilla, Martha Asunción Alonso Eva Vaz, Yaiza Martínez, Rafael Muñoz Zayas, Rodrigo Olay Gracia Aguilar,  Marcela Duque, Alberto Arce y Óscar Díaz. Por su parte, Luis Alberto de traduce dos poemas de Cavafis, «Los caballos de Aquiles» y «Cesarión»; Sergio Fernández Salvador hace lo propio con «Mar de septiembre» y «Poema de invierno» de Eugenio de Andrade. Por último, Laura Repovs y Andrés Sánchez Robayna versionan «Buenos días», poema de la poeta eslovena Svetlana Makaraovic. En la sección «Prosa», Daniel Rodríguez Rodero escribe sobre el poeta sevillano un artículo titulado «Aquilino Duque, rey de Estoril». José Cereijo entrevista al poeta, profesor y crítico, José Luis García Martín. En el apartado de reseñas, sección final de la revista se dan cita libros de Aurora Luque, de Javier Salvago, de Enrique García-Máiquez, de César Iglesias, de Rocío Acebal, de J. M. Benítez Ariza y de María Fernández Abril. 

ANTONIO LUCAS. LOS DESNUDOS.

ANTONIO LUCAS. LOS DESNUDOS. XXII PREMIO DE POESÍA GENERACIÓN DEL 27. COLECCIÓN VISOR DE POESÍA.

¿Quiénes son los desnudos?, cabe preguntarse a raíz del título de este libro. Antonio Lucas (Madrid, 1975) —poeta de una consistente trayectoria de la que forman parte títulos como Lucernario (2002),  Los mundos contrarios (2009), Los desengaños (2014) o Fuera de sitio (2016), que recoge toda su poesía publicada hasta 2015 y premios como el Ciudad de Melilla o el de la Fundación Loewe— lo pone de manifiesto en el poema que prologa este volumen, los desnudos somos todos nosotros, «Los desconvocados, / los sin templo, los ajenos», los excluidos por los patrones de una sociedad que devora al inadaptado, al diferente, podríamos añadir nosotros.

     El libro está dividido en cinco secciones. En la primera de ellas, «De lo inmediato», un cambio de domicilio da pie a esta esperanzadora reflexión: «La casa nueva, / su promesa de libro aún no escrito, / su inminencia de historia por hacer, / su arma blanca» que no oculta, sin embargo, su deuda con el pasado, alimentado en estos versos con visiones  oníricas, eso sí, enraizadas en vínculos con lo se ha sido, irrenunciables. «Podría decir que acepto lo que he sido», escribe en poema titulado «Autorretrato», pero pronto se desdice y reclama aquel aleixandriano deseo de vivir sin memoria: «y hay que echarse al mundo sin memoria, / agitando la chistera, / olvidando al que fui». Quizá sea mejor así, vagar desnudo como los hijos de la mar, entrar «desnudo en un mar con su secreta penuria»

     Un homenaje a García Lorca abre la segunda sección, «Tatuajes», simbólica forma de definir aquellas influencias literarias de las que uno no se puede desprender, con poemas escritos, en su mayor parte, en prosa, menos estricta formalmente que el verso y más adecuada cuando el discurso tiende hacia la expresión de las emociones tempestuosa, acumulativas, como sucede con el poema dedicado a Leopoldo María Panero, a quien no se menciona directamente, pero a quien se reconoce en algunas descripciones  tangenciales: «La bondad dejó en tus ojos puñados de zotal. Tu manera monstruosa de escribir. Tu hambre satisfecha de insultar». Un uso del leguaje este muy diferente al que predomina en la tercera sección, «La noche manuscrita», más contenido y dejando lo descriptivo en segundo plano. El núcleo dominante es aquí el amor, un amor que, pese a estar cantado de un millón de maneras diferentes, aporta una nueva perspectiva digamos menos enfática, más madura, más real porque surge del contacto directo con la realidad. Quien ha sufrido su pérdida, no lo compensa con hechos imaginarios. «Desaprender es resistir. / Y amar siempre reclama un uso nuevo» y un uso nuevo y original tiene este discurso amoroso aunque sus antecedentes literarios estén muy lejanos en el tiempo. Un petrarquismo actualizado pasando por el tamiz de Salinas se percibe en versos como estos: «Quien te ama te inventa, sin saber que lo hace». Hay cierto endiosamiento de la persona nada y se hace hincapié en la transformación que su presencia opera en la conciencia del poeta. No hay titubeos en las afirmaciones categóricas que en estos poemas se expresan en versos como estos del poema «Juntos»: «El amor vive en el fondo de las cosas. / Y dura lo que dura la quietud» o «Y apronto aprenderás lo que has vivido / y nunca es más verdad que lo que amaste, / que no siempre fue amor sino su andamio». Pero no solo de amor hablan estos poemas, el proceso de construcción de la identidad se manifiesta con todas sus dudas en uno de los mejores poemas del libro junto con «Testamento», y abundan los poemas memorables, el titulado «Primicia de un saqueo», que encabeza el famoso verso de Calderón, con parte de su segundo hemistiquio tituló José Hierro un libro: “Cuanto sé de mí”. Lucas no es tan tajante, está infectado por la incertidumbre de la época, por eso escribe en el comienzo: «Cuanto sé de mí es duda de mí mismo» y finaliza de esta guisa: «Y gracias por las noches que perdí entre tanta noche, / pues tuve claro entonces / que cuanto sé de mí / ya no me corresponde». El libro finaliza con  la sección «Fragmentos de la edad», la más extensa y heterogénea del conjunto, aunque temáticamente el canto a la amistad («En la amistad está todo cuanto quieres / para no caer un poco más») y la reflexión metapoética como parte de ese reconocimiento íntimo que el poema promociona, diseminada en varios poemas («Escribir con loso ojos vueltos siempre hacia ti. / Escribir maleante, sin temor, indefenso») se distinguen frente a otros temas la meditación ontológica o la preocupación social.

    Uno de los recursos literarios más usados por Antonio Lucas es la anáfora. Con ella consigue una mayor potencia expresiva además de remarcar el ritmo y de otorgar mayor fluidez en la dicción. Los ejemplos son innumerables, pero el poema «Isla del Egeo» es paradigmático porque la repetición se escalona no en una sola palabra, sino en varias en distintas partes del poema. En otras ocasiones, la anáfora consiste , más que en una determinada palabra, en un tiempo verbal, el infinitivo, un tiempo sin tiempo. Por último, el decir fragmentario, en no pocas ocasiones aforístico, impide el verso subordinado, con lo cual evita la digresión y delimita con mayor precisión su mensaje.  Los desnudos, en suma, confirma que Antonio Lucas es uno de los poetas más inspirados de su generación.

* Reseña publicada en el suplemento Sotileza de El Diario Montañés, el 18/12/2020

JAMES BYRNE. LOS CAPRICHOS

JAMES BYRNE. LOS CAPRICHOS. TRADUCCIÓN DE JUAN JOSÉ VÉLEZ OTERO. VALPARAÍSO EDICIONES.

La serie «Los caprichos» de Goya, comenzada en 1793, aunque se exhibieron sus 80 planchas entre los años 1796 y 1797, ha generado muchísimos estudios críticos, comentarios, aproximaciones literarias y pictóricas, innumerables écfrasis —Ted Hughes lo intentó, aunque, al final, abandonó su propósito—, pero no conocemos ninguna recreación poética del alcance de la que realiza el poeta y traductor británico James Byrne (Buckinghamshire, 1977) en este libro, impecablemente traducido por Juan José Vélez Otero. Los ochenta cobres grabados —posteriormente entregados al rey, junto con doscientos cincuenta ejemplares que le quedaban, a cambio de una sustanciosa renta de doce mil reales asignada a su hijo— son glosados en ochenta poemas, pero no se trata de recrear las imágenes por medio de las palabras, eso ya lo hizo el mismo Goya, que añadió jugosos comentarios explicando el epigrama que coloca como título de las respectivas obras y, a demás, escribió una introducción cuando se publicaron, en 1799, en la que afirma «que ha escogido personajes que se ofrecen a ser ridiculizados, a estigmatizar prejuicios, imposturas, hipocresías consagradas por el tiempo». Byrne escribe sobre esas escenas de hace dos siglos como si fueran actuales. En sus poemas se combinan sucesos históricos con hechos ocurridos anteayer ( El Brexit, Harvey Weinstein, el movimiento Me Too o Trump), como quien dice—en el titulado «Aquellos polvos», por ejemplo, se mezclan la Inquisición con la Quinta Avenida—, y es que la crítica de Goya, lamentablemente, no ha perdido vigencia. Byrne se muestra muy escéptico ante la evolución del ser humano, por eso escribe una introducción en la que, entre otras cosas, afirma que «Los caprichos de Goya son una serie de pesadillas de l vida real que rondan el siglo XXI. Podría decirse que el mundo que vivimos hoy es más aterrador que la España de Goya, porque en estos doscientos años nos hemos vuelto más inhumanos». Según Gómez de la Serna, en «Los caprichos» «se combate la superstición española, contra la que ha de ir el primer dardo de los humorismos y va mucho más allá de donde ha llegado el presente […] El humorismos es aquello en que se mezcla la credulidad y la incredulidad, lo trágico y lo cómico, la vida y la muerte, es decir, todos los polos contradictorios, pareciendo brotar del chispazo la única conclusión genial digna de la vida, siempre de un modo catastrófico, desesperado, barroco y con escasas palabras de agonía» y nos párrafos más adelante afirma que Goya «No es un moralista ni un amonestador, sino un indignado, un sarcástico, un observador que mira las cosas con amargura y risa sardónica». Bien, eso mismo es lo que hace Byrne, establece un diálogo con lo s caprichos pero no escribe una paráfrasis. Se ha ajustado a una fórmula fija, la de las octavas, entre cuyos versos podemos entresacar aforismos que confirman o dan la vuelta al idea de Goya. Si, según algunos críticos señalan, los sueños de Quevedo ejercieron una decisiva influencia en las imágenes goyescas, este sustrajo sus títulos de la cultura popular, pero también de la literatura de la época, literatura que, al parecer, conocía bien. Byrne hace otro tanto, por eso en sus poemas aparecen mencionados, entre otros, Calderón, Bulgakov, Coleridge, Darwin, Olson, Blake o Milton e implícitamente Octavio Paz o Rubén Darío. Los caprichos, como ocurre con las octavas, están plagados de sarcasmo, de reproches, de sátira moral, de ironía pero también de desengaño vital, pero no se puede obviar que, más allá de la denuncia periodística, subyace una intención pedagógica. Como dice Juan de la Encina, «No son mera colección de estampas cáusticas o graciosas… son más: han brotado a la luz de un cierto estado de iracundia candente contra personajes y sucesos históricos conocidos». Entre los personajes más populares se encuentran avaros, galenos, pícaros, alcahuetas y celestinas y, entre la nobleza, reyes, duques y duquesa, príncipes y primeros ministros como Godoy, el llamado Príncipe de la Paz, ridiculizado en «Hasta su abuelo», en el que un asno hojea su árbol genealógico: «Los libros genealógicos muestran guerras / ancestrales. Peligros en la adversidad. El blanco / es el color más mortífero de todos» el titulado «Mala noche» satiriza las eufóricas noches de la reina María Luisa, amante de Godoy, pero en la lectura de Byrne, los protagonistas son otros : «¿Recuerdas el gordito sonriente detrás de la falda plisada de Marylin levantada por el aire? /  Haz un nuevo reparto de papeles en la oscuridad, / una amenaza en el aire como en la «Mala noche» / de Goya, donde la tempestad de halcones nocturnos / evidencia el bullanguero. Tu culpa / pintor, tu mirada de piedra, tu domicilio, / Josefa, solo ella puede reclamar esta noche». Goya se dejaba querer por la Corte porque dicho amor llenaba sus alforjas y le protegía de revanchas, maledicencias y venganzas de aristócratas que se sienten mancillados, como alguna gran dama, por ejemplo,  y clérigos ya que en muchas de las imágenes  de los caprichos se critican abiertamente sus costumbres licenciosas y las devociones supersticiosas. En la representación «Todos caerán», se ha querido ver una diatriba contra la duquesa de Alba. Así lo ha visto James Byrne: «Los pecadores caerán primero. / Un niño que volaba en su queja por el cielo / fue dibujado por la mano de un caricaturista. / Como Ícaro en el laberinto de Dédalo, / o la duquesa de pelo rizado, fabulosamente rica, / que no posa contra el fascismo de Franco / a favor de Picasso, sino con un torero desnudo. / Mito-críptica, la vida es everismo». Probablemente, la duquesa del poema sea una descendiente de la duquesa pintada por Goya, Cayetana Fitz-James Stuart y el torero Pepe Luis Vázquez, aunque estos detalles carezcan de importancia. El amor siempre tiene cierto aire dramático, grotesco en Goya, y Byrne ha sabido plasmar en ese paralelismo en la octava titulada «Amor y muerte», que reproduzco en su totalidad: «La mente se agita como la oscuridad / en un faro. Relumbra la artillería, / un oficial se ríe de la espada desenvainada / y el cadáver que empieza a hablar / mediante mi voz se bebe el aliento / de mi boca.  Apriétame, fuerte, el mundo / exterior se hace a pedazos entre los hombres. / Vivimos divididos, cual al borde del límite». Vivimos una época oscura —cuando escribo esto, Trump está alentando a sus seguidores a que interrumpan por la fuerza el recuento de las papeletas de las elecciones y está acusando de fraude electoral, sin pruebas, a los demócratas—, tiempo de iniquidad y de noticias falsas, de pandemias y miedo al futuro. Es cierto, «Si la luz piensa en el tiempo, la oscuridad / es tiempo que piensa en si mismo», por eso, pese a todo, en el tiempo del poema se encuentra la claridad que ilumina nuestra esperanza.

Los caprichos

ANTONIO SORIANO SANTACRUZ. NUEVAS ESPECIES DE ÓXIDO

ANTONIO SORIANO SANTACRUZ. NUEVAS ESPECIES DE ÓXIDO. BORIA EDICIONES.

Según nos informan Sara J. Trigueros y Carmen Juan, autoras del breve texto que precede a los poemas de Antonio Soriano Santacruz (Alicante, 1991), Nuevas especies de óxido es la primera obra del autor: «Cabe decir que, además de una primera obra, nos encontramos ante una obra iniciática. Poemario y poeta alimentan una tensión entre lo apolíneo y lo dionisiaco sin solución de continuidad», tensión que va en ascenso a medida que el libro avanza en cada una de sus tres secciones.

     Un poema prólogo nos pone sobre aviso de lo que vamos a encontrar en estos versos: la crónica de la lucha por tener una existencia plena, una lucha desgarrada, violenta, sin descanso por preservar la propia identidad, por no sucumbir a las presiones de una sociedad empeñada en extrañar al disidente: «Vivir. / Vivir es darse cuenta de que ninguna herida está cerrada». En «La herrumbre», la primera parte del libro, la herrumbre parece ser el resultado de las aspiraciones truncadas, la costra de óxido que carcome la esperanza: «Quisimos ser la raza del sol / y por eso ahora somos la de la sombra», escribe en un primer poema construido a base de repeticiones que refuerzan el mensaje y en el que sentimos el aliento de Neruda. El desencanto generacional da origen a un pesimismo ontológico: «¿Qué podemos hacer con nuestra patria marchita / con el cemento / con las falsas montañas / con los años setenta / el sol / la mafia / los cerdos / la muerte / alacranes desfilando y aire espeso?», lo que no resta lucidez a reflexiones como esta: «entender toda la historia del arte como una variación de la tensión y la distensión sexual», cercana a las teoría psicoanalíticas. En «Lo que parece. Periscopios», la segunda sección, la irrupción el yo como centro del universo se convierte en el leit motiv de los poemas. El eco de Whitman y su «Canto a mí mismo» se deja intuir en muchos de estos versos, porque el yo es, a la vez,  en medio de un nihilismo contagioso, la diana y la flecha del pulso poético: «Acomódate y mira el final de ti mismo / olvida mi locura / y cásate con ese o el otro o el otro / me da igual, pero sé feliz. / Y cuéntale a quien le interese / que una vez / como quien no tiene un perro enfermo / tú tuviste un loco que no hacía sombreros / pero que escribía cosas como esta / pero que nunca debió escribir / nada como esto o aquello. / Pues nada es lo que debió asumir». Tas un poma que hace las veces de bisagra, «Intermedio: Berlín, 1933», una fecha tristemente célebre, sobre todo en Alemania, el libro se cierra con la tercera sección «La huida. Quiebro» en la que hay una especie de ajuste de cuentas consigo mismo en el que el autor no sale bien parado: «He perdido / he dejado / mi cadáver tirado en las especies de óxido / que recubren / recubrirán / los caminos». Esta alusión al óxido confirma la idea inicial del libro. Como escribe las autoras del prólogo, la estructura de esta tercera parte «se revela circular y tripartita», aunque aquí la desenvoltura ética es más elocuente: «Sí al desnudo. / Sí a la idea penetrante y expansiva / de follarse a todo el mundo. / De sentirse nuevamente / dividido». Nuevas especies de óxido es una especie de conjuro contra una sociedad que desprecia, siguiendo a Machado, lo que ignora, que intenta neutralizar formas de ser y de estar discrepantes con lo establecido. Los versos de Antonio Soriano Santacruz son declarativos, explícitos en grado sumo y de una contundencia encomiable, pero quizá sería conveniente mitigar esa escritura tan torrencial para dejar en manos del lector algunas posible interpretaciones.

ALEJANDRO LÓPEZ POMARES. LA SOLEDAD TRAS EL RUIDO DE FONDO

ALEJANDRO LÓPEZ POMARES. LA SOLEDAD TRAS EL RUIDO DE FONDO. ARS POÉTICA EDICIONES.

Han pasado tres años desde que Alejandro López Pomares (Orihuela, 1983) publicó su primer libro, la novela La mirada perdida (2017), una novela con tintes poéticos, algunos de cuyos fragmentos buen pudieran considerarse poemas en prosa. Resulta por tanto, a ojos de este lector, el tránsito hasta el poema en verso algo casi obligado. López Pomares ha contado como padrino para tomar su alternativa poética —discúlpense el símil taurino— con un excelente padrino, José Luis Zerón Huguet, reconocida voz poética y crítico de altura, como demuestra en el prólogo a La soledad tras el ruido de fondo, un primer libro que, de inmediato, deja traslucir lo que hay detrás de estos poemas, una larga peregrinación en busca del decir preciso y satisfactorio, si es que esto es posible cuando hablamos de poesía. Nuestro poeta ha trabajado a conciencia y ha sabido esperar, haciendo oídos sordos a los cantos de sirena que entona la vanidad, para dar a la imprenta un libro complejo y perfectamente estructurado. Siempre he defendido la poética del conflicto frente a la poética acomodaticia, aunque, como es lógico, la primera asuma ciertos riesgos que, en ocasiones, hacen que el poema naufrague, algo menos infrecuente en esa poesía que repite esquemas tanto formales como conceptuales. La poesía de Alejandro López Pomares pertenece al primer grupo, lo que que podemos verificar en poemas como «Auto Retrato», del que extraemos estos versos: «Dime lo que quieras, / no creo que haya una sola verdad  / que no contenga entre sus letras / cada una de todas las mentiras. / Yo, mientras tanto, difuminaré el contorno de las cosas con mis dudas. / ¿Durante cuántos años recorrieron la periferia tus anhelos? / ¿Cuántas veces te verías sin saber si eras tú mismo / quien saluda al pasar? / ¿Cuántas noches distancian tus sueños delos míos? / ¿Cómo voy a reconocer tu rostro / si hace tanto / t-a-n-t-o / que me busco a oscuras en la otra mitad / de la foto?». Son estas, como vemos, las incertidumbres propias de un sujeto escindido cuya identidad se refleja en el espejo desportillado de la realidad, un espejo que simultanea la imagen de un yo y de un otro que fueron el pasado un mismo ser, pero que son ahora caras de personajes distintos. Zerón Huguet escribe sobre el libro en el citado prólogo que «Se trata del dietario de un personaje hipersensible, introspectivo —a veces visionario—, cuyo modo diferente de ver y entender el mundo le induce, desde el estupor y su asombro, a una épica de resistencia o de subsistencia cotidiana». El conocimiento personal contribuye a extraer conclusiones que seria muy aventurado realizar solo a partir de la lectura de los poemas, pero la exaltación de la soledad como escudo ante el ruido de fondo —y no solo de fondo— de la realidad nos da pistas claras, si no sobre el autor, sí sobre el personaje lirico que protagoniza los poemas, poemas cuya casi total ausencia de puntuación permite una mayor multiciplidad de lecturas, poemas que hablan de abandono, de desamor: «No entiendo si tu paso por la vida / y mi paso por tu lado… // resuenan sobre el mismo suelo»; de esa pérdida de la identidad de la que hablábamos antes: «Mírame en esta foto, ¿quién he sido?», escribe en el poema «Camino largo lento»; de la vulnerabilidad de ser, en muchos casos superada gracias al poder de la poesía, aunque este no sea siempre salvífico: «La poesía es un mar de dudas, desbordándose por nuestras calles / y yo solo alguien que se aferra / en el punto de mira / la foto de alguien / se ahoga sin motivo / sin palabras / sobre los charcos con mi cara descorrida / y yo solo alguien que se ahoga».  He aquí «El testimonio —en palabras de Zerón Huguet— fidedigno de una escritura vital en la que lo vivido y lo poetizado (también caben lo deseado y lo inventado) constituyen un tupido entramado de voces en fuga», un testimonio, en ocasiones, algo caótico que, desde mi punto de vista, ganaría enteros con una mayor contención discursiva. En cualquier caso, La soledad tras el ruido de fondo es un excelente primer libro que nos hace albergar fundadas esperanzas sobre las futuras entregas poéticas del autor. 

JUAN CARLOS ABRIL. PANORAMA PARA LEER. UN DIAGNÓSTICO DE LA POESÍA ESPAÑOLA.

JUAN CARLOS ABRIL. PANORAMA PARA LEER. UN DIAGNÓSTICO DE LA POESÍA ESPAÑOLA.

BARTLEBY EDITORES

Juan Carlos Abril (Los Villares, Jaén, 1974) es una de las personas más cualificadas para abordar un proyecto como este, analizar el estado de la poesía española en el momento presente, y lo es porque, a sus excelentes cualidades como poeta  —obra poética está integrada por cuatro títulos: “Un intruso nos somete (1997), “El laberinto azul” (2001), “Crisis” (2007) y “En busca de una pausa” (2018)— hemos de añadir la constante dedicación a diseccionar la poesía de sus contemporáneos tanto en ensayos — como, por ejemplo, “Lecturas de oro. Un panorama de la poesía española” (2014), publicado en esta misma editorial—, antologías —la justamente celebrada “Deshabitados” (2008)— o reseñas, que es de lo que se ocupa “Panorama para leer”, por más que, como afirma el propio Abril «escribir reseñas resulte una labor agridulce. Si los poetas interesan poco, las críticas suelen interesar menos aun». Pese a todo, las casi sesenta reseñas publicadas a lo largo de cuatro años, desde 2014 a 2018, en diferentes medios permiten al autor tener una visión panorámica y a pie de calle, como se suele decir, acerca de las múltiples formas de encarar el acto poético de poetas que están en su madurez creativa —el arco temporal abarca poetas nacidos desde mediados de los sesenta a principios de los ochenta—.  Aunque esta constatación no evita que este comentarista comparta esta reflexión de Juan Carlos Abril: «El incierto mundo del reseñista es una tarea bastante ingrata, sin prestigio literario ni académico, en un sistema cientificista que cada vez más cancela las humanidades, la hermenéutica y el pensamiento crítico». Más discutibles son, sin embargo, los términos en los que se califica cierta crítica literaria —«Hoy en día no se puede estar más contaminado por el biografismo o el autor, lo que incluye el amiguismo, la ideología o el mensaje, la intencionalidad, la psicología o afectividad del poema y, por consiguiente, el patetismo y la hipotiposis, que es la derivación directa del realismo sentimentaloide, tan dado en la poesía española de la última década, y tan coercitivo», escribe con evidente animadversión, reivindicando los presupuestos teóricos del New Criticism—, sobre todo cuando uno forma parte de ella, porque, además, previamente se hace alusión a la presunta —y exigible— ecuanimidad del crítico y en estas palabras parece postergarse ese precepto. No esbozo ninguna presunción, pero hace falta estar muy libre de pecado para tirar la primera piedra. Desde mi punto de vista, el reseñista —y el crítico— debe establecer una fuerte conexión con el libro comentado, aunque este tenga su propia autonomía, más allá del comentario que lo ensalza o lo censura y, si para hacerlo, necesita recurrir a coartadas biográficas, no debe tener remilgos en hacerlo, de hecho, él mismo defiende —así lo entiendo yo— posteriormente esa postura cuando escribe que, aunque «la poesía no se propone como un acta notarial de la realidad […] tampoco puede evitar partir de ella, interpretarla de alguna manera, ya desde lo simbólico, lo imaginario, o desde intersticios más referenciales».

Pero vayamos a “Panorama para leer”, porque es mucho más que una mera acumulación de reseñas sobre algunos de los libros publicados durante esos años. Aquí encontramos títulos como “Autorretrato a lo lejos”, “Canino”, “Ciudad sumergida”, “Clima mediterráneo”, “Conciencia de clase”, “Desaparecer”, “Épica de raíles”, “Fiebre y composición de los metales”, “Los allanadores”, “O futuro”,  “No estábamos allí”, “Para una teoría de las distancias”, Sangre seca” o “Ser sin sitio”, por citar solo algunos, de autores como Lorenzo Plana, Andrés Navarro, Ariadna G. García, Luis Bagué Quílez, David Mayor, Juan Manuel Romero, Verónica Aranda, María Ángeles Pérez López Pérez, Carlos Pardo, Abraham Gragera, Jordi Doce, Lorenzo Oliván, Josep M. Rodríguez o Álvaro García, respectivamente, pero lo verdaderamente sustancioso es el estudio previo, un intento de establecer las nuevas coordenadas por las que maniobra la mejor poesía actual mejor: En «La tercera vía: Un cambio de paradigma en la poesía española», Juan Carlos Abril despliega su profundo conocimiento del estado de la cuestión y, después de establecer las vinculaciones de la poesía actual con la del pasado y de reinterpretar los datos que este ofrece, aboga por una tercera vía que dialogue «con las distintas tradiciones que cada quien considere oportuno, así como con los procedimientos y herramientas de la vanguardia que estime necesarios». Teniendo en cuanta los innumerables perfiles de la realidad en la que vivimos, quienes apuestan por cualquier tipo de epigonismo reduccionista lo hacen por razones que no siempre tienen que ver con la poesía, aunque, a la larga, están condenados al fracaso, por tanto, la apuesta por el eclecticismo, incluso dentro de un mismo poeta, o lo que es lo mismo, por la convivencia de intenciones y de contextos, es la opción que parece más viable en estos tiempos. Juan Carlos Abril viene proponiendo esta lectura desde hace ya varios años. El tiempo le esta dando la razón.

Reseña publicada en el suplemento Sotileza de El Diario Montañés, 11/12/2020

TOMÁS RODRÍGUEZ REYES. SUPREMA MORALIDAD.

TOMÁS RODRÍGUEZ REYES. SUPREMA MORALIDAD. COL. AFORISMOS. LA ISLA DE SILTOLÁ.
 
Dividido en tres seccione, Suprema modalidad, el nuevo título de Tomás Rodríguez Reyes  (Sanlúcar de Barrameda, 1981) mantiene, sin embargo, una unidad tonal cuya principal característica reside en la contundencia de sus afirmaciones. No tienen cabida en estos aforismos la duda o la vacilación, ni siquiera el artificio verbal que consiste en encubrir el mensaje con la destreza retórica. La brevedad inherente al aforismo exige no “andarse por las ramas”. No se piense, sin embargo, que esta ausencia de oropel deja al desnudo el sentido de lo expresado, no, antes al contrario, esa desnudez obliga al lector a agudizar su mirada, su lectura, para penetrar por debajo de lo evidente, esa es una de las mayores virtudes de este libro y hay en sus páginas muchos textos que lo confirman. Extraigo algunos ejemplos, como este de calar ascendencia presocrática: «No seas y serás más que todo lo que es», este otro que nos remonta al Romanticismo: «La belleza es un sendero de verdad construido con mentiras» o, por último, este que no recuerda a Lacan: «Todo es sucedáneo de la realidad».
    Una gran parte de los aforismo tienen como origen el lenguaje, la palabra poética —«La palabra no nombra la realidad. Por lo que, cuando el poeta se hace palabra, la cosa misma, cuando él es la palabra sin más y entra en la armonía, es en realidad natural»—, el propio poema —«el poema es el lugar de las apariciones de la poesía»—y la esencia del ser del poeta: «Esta forma de escribir es una forma de estar conmigo, de ser yo. Y con ser basta», escribe Tomás Rodríguez Reyes. Todas estas afirmaciones desembocan en un concepto de la poesía que se puede resumir en este comentario: «La poesía no acoge lo real o lo irreal, tampoco lo cotidiano o lo trascendente; ni siquiera lo posible o lo imposible. La poesía auspicia la razón luminosa de la condición humana con música y palabra en una misma unidad». No está de más advertir que el lector puede mostrar su desacuerdo con muchas de las tesis que aquí se defienden —no resulta improbable que el autor busque precisamente eso— pero esas discrepancias contribuirán a poner en marchas todos los resortes de la réplica, a despertar lo que pensaba eran verdades inmutables, y tal cosa no carece de mérito.